埃尔斯沃斯·凯利 | 这个时代最具影响力的欧普艺术大师
图/凯利
Ellsworth Kelly
直到21世纪，美国欧普艺术代表人物埃尔斯沃斯·凯利 （Ellsworth Kelly, 1923 - 2015）才被公认为这个时代最具影响力的现代主义大师之一。
埃尔斯沃斯·凯利于1923 年出生于纽约州纽堡，1948 年移居法国，在巴黎美术学院学习，从此开启他的艺术生涯。2015年12月27日凯利在其家中平静离世，享年92岁。
凯利既是 抽象画家又是雕塑家、版画家。他的作品也为后世的欧普艺术家们带来了无限的灵感。
年轻时的Ellsworth Kelly
01
/Biography/
“明亮与抽象”
从职业的开端，凯利就追求纯粹的颜色和表现形式： 他坚持以形状简单、色彩鲜艳的几何抽象画为创作对象。在个人风格形成的过程中，凯利曾受到来自毕加索等一批巴黎现代主义艺术家的影响，他们包括抽象雕塑艺术家康斯坦丁·布朗库西（Constantin Brancusi）、超现实主义艺术家让·阿尔普（Jean Arp），以及同辈的美国艺术家亚历山大·考尔德（Alexander Calder）等人。
Red Yello Blue White，1952
Colors for a large wall 1951
在吸收了许多艺术家的的艺术风格后，凯利逐渐形成属于自己的风格：更加简洁、并在创作的过程中逐步渐走向抽象。
埃尔斯沃斯·凯利的的创作生涯逾70年之久，跨越了美国艺术发展的重要时期，在美国抽象艺术的发展中起到了关键的作用。法国《世界报》将凯利誉为“驾驭颜色和感觉的高手”。
Train Landscape，1953
凯利曾获普拉特学院、巴德学院、哈佛大学、威廉姆斯学院、芝加哥艺术学院、布兰迪斯大学和伦敦皇家艺术学院荣誉博士学位。在众多的奖项中，包括2000年日本的“帝国勋章”，2009年法国总统萨科齐颁发的“荣誉军团勋章”，以及2012年美国总统奥巴马颁发的“国家艺术奖章”。
Fourteen Projects，1955
Spectrum V，1969
童年凯利喜欢像鸟一样观察世界，他的灵感也得益于来自于对周围事物不断审视的过程。各种对颜色和形状的观察经历对凯利的画作影响深远，不断模仿各种生活中出现的影像与碎片，驯化了他对鲜艳的色彩的敏感度。也为他日后创作影响深远的作品埋下伏笔。
晚年的Ellsworth Kelly依然不停息的观察世界
02
/Works/
“凯利和他的作品”
创作早期，凯利曾尝试在墙壁用多面板绘画组合成大面积的色彩，这也是他创作生涯的一个基本主题。下面这幅1951年的《Colors for a Large Wall》，是由许多小嵌板组成的一个整体，据说它们是凯利在一次偶然的艺术碰撞中创作的。凯利用单一的颜色覆盖了64块正方形的画布，并根据随意拼贴的方式将它们融合在一起。他后来的很多作品灵感都源自于此，并继续将不同尺寸、形状、颜色和材料的面板以无数种不同的方式拼在一起。
Colors for a Large Wall，1951
Sculpture for a Large Wall
1956-1957
Color Panels for a Large Wall
1978-2003
在巴黎期间，凯利受到了几位艺术家的启发，并尝试在自己的作品中碰撞出新火花。创作这幅《Cité》时，凯利用黑白色画了20个正方形后随机排列，接着他把这幅作品倒过来，又按这个造型重新画在20块木板上，再次重新排列后把嵌板连接到最后的画中。凯利希望通过这样的尝试，尽量减少艺术家个人的情绪情绪对作品的影响，试图放弃对作品刻意的“控制”，最大限度地利用意外和非个人的力量碰撞出新的作品。
Cité，1951
凯利在绘画中强调“图形”和“画幅”之间的张力关系，旨在在原本平坦的画幅上建立动态的视觉效果。《Red Blue Green》是凯利探索这一主题的重要系列作品之一，轮廓鲜明，大胆的红色和蓝色形状与纯绿色背景形成对比和共鸣，以自然的形式为灵感。这平衡的形式和周围的颜色之间的关系预示了凯利未来雕塑作品的深度。因此，这些作品是连接他在平面绘画、多面板绘画和分层雕塑作品间的重要桥梁。
Red Blue Green，1963
类似作品还有《Blue Yellow Red 》，在限定区域中的色块平衡分布，让观众重新审视颜色与空间：
Red Yellow Blue II ， 1965
Blue Yellow Red III
到了20世纪70年代和80年代，凯利搬去了纽约北部。受当地环境的启发，凯利开始了他对曲线的使用，并开始制作大型的、类似图腾的雕塑作品，其中大多数都用于户外展示。这座12英尺高，略微弯曲的雕塑《Creueta del Coll》在他在作品中开启的新尝试。凯利曾创造了这个作品的两个版本，一个抽象，一个写实。他创作的雕塑作品可以放在地板上，也可以斜靠在墙上。凯利通过这种前卫的方式面向大众的创作，旨在挑战观众对空间的理解。
Creueta del Coll，1987
类似作品：
Totem (for Roy Lichtenstein) ， 1998
Berlin Totem ，2008
“我想要的是更柔和、个人意识更少的东西。我不想让我的个性出现在作品中。创作中，我感兴趣的空间不是画的表面，而是观众和画之间的空间。”
—Ellsworth Kelly
1967年，创作中的Ellsworth Kelly
03
/Exhibition/
“如果建筑会说话”
埃尔斯沃斯·凯利的第一件也是最后一件建筑作品「奥斯汀（Austin）教堂」 由德克萨斯州奥斯汀的布兰顿艺术博物馆合作完成 。数十年前凯利就开始构思这件作品，但直到他临终前几年才开始实施，直到他逝世后的第3年（2018年）才彻底完工。
凯利制作的Austin模型
奥斯汀占地面积为2715平方英尺，的独立式结构的建筑，以宏大的方式展现凯利艺术生涯最关注的部分。这是凯利最后的作品，也最具纪念意义的作品。该作品于2018年2月18日向公众开放，承接这项工作的Blanton美术馆经过多年的努力终于让凯利的设计成为现实。此前凯利本人曾认为这件作品的构想永远不会被实现。
奥斯汀教堂是一座具有教堂的外观的双桶穹顶式建筑，整体呈十字造型， 外墙由白色石块堆砌而成，内部则分为四个拱形空间。
其中，它的三处拱门的墙上镶嵌着彩色的玻璃窗，玻璃窗的形状则是极具凯利标志性的几何图案。外观看似其貌不扬，里面的光影却分外动人。
光影透过五彩斑斓的窗户照进室内，将玻璃上彩色的几何图案投映在地面上，随着时间的推移光线也会跟着发生变化显得愈加平和宁静。这里仿佛是凯利本人的脑洞，光线的运用令观众的思维随着凯利的指挥进行变化。
04
/After That/
“纪念邮票”
2019年5月31日，埃尔斯沃斯·凯利生日这天，美国邮政总署为了纪念他而发行了一套纪念邮票，以庆祝这位艺术家的诞生。
这套纪念邮票，将凯利的10幅作品收录于其中。从此，也将有越来越多的美国人通过邮票做载体接触到凯利那些明亮的色彩。
凯利这一生，都在强调观众对周围环境的体验，他利用不同的材质与空间结合，扩大了抽象艺术的作用，超越了大众熟悉的表达和形式功能，是当之无愧的艺术大师。
“I have worked to free shape from its ground, and then to work the shape so that it has a definite relationship to the space around it; so that it has a clarity and a measure within itself of its parts (angles, curves, edges and mass); and so that, with color and tonality, the shape finds its own space and always demands its freedom and separateness."
— Ellsworth Kelly
埃尔斯沃斯·凯利
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