浦东美术馆 | “动感视界”Vol.4:让全球艺术家为之着迷的欧普艺术

一件平面艺术作品

为什么会带来强烈的立体感？

一件明明静止的艺术品

为什么让人觉得它在眼前震动？

这便是欧普艺术，

一种给观者创造视错觉体验的艺术形式。

它的诞生为人们打开了新的世界，

让观者无不感叹这门艺术的魅力。

为广泛传播与普及欧普艺术，帮助增进国人对它的了解，促进世界艺术的多元化融合发展，更为全民美育作出贡献，MAP特别带来展览“动感视界：来自泰特美术馆的欧普与动态艺术馆藏”，通过近120件不同形式的展品从全球角度重新审视欧普与动态艺术。

本次展览由泰特美术馆精心策展，汇集一众与该艺术运动密切相关的艺术家、先驱人物及当代实践者们，涵盖了共同推进这一艺术流派发展的重要艺术家团体以及奠定欧普与动态艺术发展的重要展览。更有部分展厅还原纽约现代艺术博物馆（MoMA）上世纪的展览盛况，带来梦幻般的视觉效果。

此刻，来自不同时空的世界一流杰作汇聚一堂，缔造了一场近年来世界范围内最完整、最全面的欧普与动态艺术秀，给观众们提供了难得一遇的近距离观赏作品并与其“互动”的机会。

展览期间，小编按照观展动线带大家走进美术馆二层展厅，一同欣赏亮点作品，探索欧普与动态艺术背后的精彩。本期，让我们放眼全球更多地区，去往展厅房间5探一探南美与中东视角下的欧普艺术！

▲摄于展厅现场 ©浦东美术馆

▲摄于展览现场 ©浦东美术馆

《五边形》（Pentagon， 2008）每个五边形的表面都呈现密集的几何图案，形成带有反射和折射的复杂马赛克。这些形状以不同的角度偏移前后放置，营造出万花筒般的效果和隐含的运动感。马赛克镜面反射并扭曲着观众身体的映像，创造出与雕塑及周围空间的动态关系。

《无题》（Untitled，1976）呈现了镜面几何图形组合对体积的演绎，它们彼此拼接形成一组复杂精致的几何图案。根据周围环境和光线的不同，碎片化的镜子中形成的反射会产生巨大变化，从而形成动态的视觉构图，观众通过互动来捕捉作品平面中的多维度特质。

▲摄于展览现场 ©浦东美术馆

《十二块黑色与四块银色》（Twelve Blacks and Four Silvers，1965）可能是本次展览中最能体现欧普艺术视觉特征的作品。分明是静止的作品，但当观众轻微移动位置，它便跟着剧烈“抖动”，让很多观众难以相信它其实并未安装任何电机装置，甚至陷入自我怀疑。这正是“欧普”艺术的魅力之所在——“欺骗”你的眼睛。

▲杰苏斯·拉斐尔·索托《十二块黑色与四块银色》

木材，金属  1965年

1983年由维多利亚和阿尔伯特博物馆转让

© ADAGP, Paris and DACS, London, 2022

来自委内瑞拉的杰苏斯·拉斐尔·索托（Jesús Rafael Soto）将物理元素置于黑白细线的背景图案中，观众为了理解和捕捉作品效果，开始本能地移动；而观众的位移，正是产生这种振动和非物质化感觉的核心。

他在当时兴起的动态和欧普艺术运动中有着领军地位，并开拓了一种实践方法，聚焦于垂直和水平线在相互作用下产生的视觉振动，反复使用几何元素并运用到之后基于方形创作的系列中。序列音乐也指导了他的作品，通过将基础颜色以序列系统编排，为画面增添无限变化的潜力。

▲莫森·瓦济里·莫加丹《无题》

浮雕  1968/2015年

莫森·瓦济里·莫加丹基金会惠允

（以上为同件作品的不同展示形式）

伊朗艺术家莫森·瓦济里·莫加丹（Mohsen Vaziri Moghaddam）在研究和分析了新的现代艺术运动后认为，“绘画不是对客观现实的重建，艺术家应创造出以前不存在的东西。”在意大利的岁月是个转折点，在此期间，他从具象绘画转向几何浮雕，同时也开始尝试使用铝等工业材料。

 《无题》（Untitled，1968/2015）由八个木头和铝板制成的可排列组装模块构成，部分涂上了三原色，在视觉上相互触发振动。起伏波浪与底板上的曲线图形相呼应，加强了动态效果，通过探索模块与周围空间的相互作用，进一步打破雕塑的封闭形式。

约瑟夫·阿尔伯斯（Josef Albers）是欧普艺术界乃至整个20世纪最具影响力的艺术家之一，是第一位在现代艺术博物馆和纽约大都会艺术博物馆举办个展的在世艺术家，更为几代艺术家带去深远影响。

▲上图右侧五件作品来自约瑟夫·阿尔伯斯

《针对蓝色的重复》 1943年

2006年由约瑟夫和安妮·阿尔伯斯基金会赠送

右侧作品组自左上-右上-左下-右下分别为：

《白线正方形XII》，《白线正方形XV》，

《白线正方形IX》，《白线正方形XI》

1966年，2009年梅林达·希勒·马多克惠允

由泰特美术馆美洲基金赠送

摄于展览现场 ©浦东美术馆

他着迷于视觉感知的本质，《针对蓝色的重复》（Repetition Against Blue，1943）中交错相连的形状体现了透视的理念，而何为前景何为背景的问题在这里并无答案。这幅作品也显示了他对色彩日益浓厚的兴趣，他研究色彩的不稳定性和欺骗性，将其描述为“物理事实与心理效应之间的差异”。

“向正方形致敬”（Homage to the Square）系列是其最为闻名的代表作之一。简单而严谨的构图，正方形间巧妙的层次递进与恰成比例的位置距离，平衡、对称以及色彩的搭配与迭代，给观者带来画框内空间收放的视觉体验。《白线正方形》（White Line Square）系列作品在层层递进的表现形式上，加入未被涂上颜色的线条，与边缘一圈同样未被上色的部分相呼应。

▲上图作品来自穆罕默德·梅莱希

《卡萨》 1970年

2018年由中东和北非购藏委员会出资购藏

摄于展览现场 ©浦东美术馆

穆罕默德·梅莱希（Mohammed Melehi）对摩洛哥绘画艺术发展做出了杰出贡献，他辗转于不同国家、不同文化之间，对美国的硬边抽象、极简主义，以及流行趋势的认同是显而易见的。不过，他还是踏上自己的旅程，发展出一种国际性的抽象和教学形式，并在其中融入了摩洛哥独特的传统和文化。

卡萨是其家乡摩洛哥卡萨布兰卡的缩写，艺术家通过游牧生活方式来展现从马拉喀什到罗马、巴黎和纽约的旅途。《卡萨》（Casa，1970）以其标志性的“波浪”主题为特色，也是其最早明确提及自然景观的作品之一——波浪和同心圆图案暗示着火焰和升起的太阳。

▲莉吉娅·克拉克《生物模型（320）》

铝  1964年

2012年由泰特美术馆美洲基金赠送

Photographer：Marcelo Ribeiro Alvares Corrêa

Courtesy of ‘The World of Lygia Clark’ Cultural Association

《生物模型（320）》（Creature-Maquette (320) ，1964）来自莉吉娅·克拉克（Lygia Clark），她对绘画或雕塑应永远保持不变的想法提出质疑，并开始创作会因人类的互动而发生改变的作品。这些作品未被挂在墙上，而是与观众占据着相同的空间，有着一系列可移动的表面。

“生物”系列作品没有固定的形状或尺寸，整体表现为清晰的几何线条和弯曲的边缘的组合，当铰链被操纵时，它们的相互关系会发生变化，雕塑的闪亮表面以独特方式反射光线。铰链本身也是它的艺术组成部分，不仅是改变雕塑形状的功能性元件，似乎代表着作品的诗意、流动性和参与性。